Ciò che non vedi: meditare sulla pittura monocromatica coreana

Il processo creativo

Hamin Kim, 15 agosto 2023

I dipinti apparentemente minimalisti di Dansaekhwa, o pittura monocromatica coreana, racchiudono molteplici strati di tempo, lavoro e spirito del creatore.

Di Hamin Kim

Il termine Dansaekhwa, coniato in seguito da storici e critici d'arte, fu usato per descrivere le opere d'arte coreana che iniziarono ad essere esposte a metà degli anni '70 da artisti che condividevano alcune caratteristiche nelle loro opere, in particolare l'uso di una tavolozza monocromatica. , spesso bianco. Sebbene questi artisti non fossero uniti da un'ideologia specifica e non avessero un manifesto, Dansaekhwa divenne il movimento artistico più rinomato nell'arte coreana moderna e contemporanea.

Negli anni ’60, la Corea del Sud attraversò una rapida crescita urbana e industriale, che portò ad un processo di modernizzazione che valorizzava la standardizzazione e l’efficienza. Gli artisti d’avanguardia hanno reagito a questa trasformazione abbracciando l’influenza dell’arte astratta occidentale e quella che l’influente critico d’arte Clement Greenberg ha definito “astrazione post-pittorica”. Questi artisti combinavano una tavolozza monocromatica con linee e griglie ripetitive per eliminare interpretazioni personali del mondo, rimuovendo ogni riferimento a qualsiasi cosa al di fuori della tela, all'illusione del realismo. Forse è per questo che vengono spesso fraintesi come una forma di minimalismo, in cui il tocco dell'artista sull'opera d'arte è spesso limitato. I Dansaekhwa, invece, si concentravano sulla materialità, sui media utilizzati per creare le loro opere. Si sono impegnati fisicamente con la pittura e la tela, intensificando l'esperienza di una pittura tradizionale da due a tre dimensioni.

Senza titolo 84-3-8 (dettaglio), 1984

Chung Sang-Hwa. Acrilico su tela; 227,3 x 181,8 cm

La frase dell'artista Frank Stella secondo cui “ciò che vedi è ciò che vedi” può risuonare in molte opere di Dansaekhwa, ma dietro le superfici apparentemente semplici e persino monotone si nasconde un'intensità di lavoro invisibile, la fruizione di un'impresa deliberata e meditativa. Riguardava il processo di realizzazione dell'opera e lo stato d'essere che evocava nell'artista. Il risultato attira lo spettatore verso l'opera, invitandolo a guardare più da vicino.

Ecco un breve sguardo ai processi creativi di tre artisti Dansaekhwa nella collezione dell'Art Institute: Park Seo-Bo, Chung Sang-Hwa e Ha Chong-Hyun.

Parco Seo-Bo (nato nel 1931) è una delle figure più influenti dell'arte coreana del XX secolo, con una carriera che dura da oltre 60 anni. Come la maggior parte dei suoi colleghi, negli anni '50 esplorò l'Art Informel, un approccio all'arte astratta che enfatizzava l'improvvisazione e la sperimentazione. Ha rinunciato a “esprimere immagini” perché spinto dal desiderio di vivere “attraverso azioni naturali e pure”. Quando iniziò la serie Ecriture negli anni '70, divenne uno dei primi artisti Dansaekhwa.

In Ecriture 46-73, uno dei primi pezzi di Park, l'artista tracciava ripetutamente delle linee con una matita sopra uno strato di pittura ad olio prima che si asciugasse.

Park Seo-bo al lavoro

Fotografia del Parco See-Bo, 2019

Fotografia di Park Seo-Bo che lavora nel suo studio di Hapjeong-dong, Seoul, Corea del Sud, 1977

Mentre la matita spessa disegna una linea sulla tela, aggiungendo un altro strato al dipinto, cancella anche la vernice spingendola via, rivelando di conseguenza la materialità sia della vernice che della tela.

Quasi come se recitasse un mantra, Park ha affermato che “l’atto di ripetizione significa entrare nel regno dell’ekstasis [脫我, uno stato in cui uscire da sé stessi] e svuotare me stesso”. Questo cattura magnificamente sia le fasi iniziali della serie di Park sia la direzione in cui Dansaekhwa stava andando. Attraverso l'atto della ripetizione, Park ha ottenuto una superficie priva di illusioni.

Sapevo che dovevo esplorare il mondo da solo, invece di limitarmi a ereditare la tradizione.